viernes, 28 de octubre de 2022

¿Y si hablamos de CULTURA?

 

Y si hablamos de cultura?

¿Cuál es su concepto de cultura?

Corresponde a todas las formas, modelos, patrones con los cuales se identifica una sociedad, dentro de las características de la cultura se logra identificar el lenguaje, las costumbres, normas, reglas, vestimenta, religión, danzas, creencias. Con estas características de acuerdo a lo mencionado por la UNESCO (1982) genera una identidad porque le permite reflexionar sobre si mismo.

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¿Cómo ha evolucionado el concepto de cultura?

Es importante destacar que la epistemología del termino cultura viene del latín “cultus” con gran cantidad de significados como habitar, cultivar, proteger, honrar con adoración.

Sin embargo a través de los años su concepción se ha ido transformando de acuerdo al pueblo en el que se encuentren:

Los romanos lo determinaban como el trabajo realizado a fin de preparar la tierra para su cultivo y para aludir al acto de redimir el culto a los dioses de la agricultura.

Según José Antonio Maravall, el primero en usarla fue Enrique de Villena en Los Doce Trabajos de Hércules, con el significado de ´´cultivo del campo, labranza, agricultura``. Éste mismo sentido tiene en varios autores del siglo XVI, como por ejemplo: Las Casas, Fray Luis de León, Fernando de Herrera…

Desde el siglo XIII al siglo XVI se continúa viendo el concepto de cultura desde la producción agrícola.

Durante el Renacimiento el término cultura se utilizó para denominar el proceso formativo exclusivo de los artistas, filósofos, literatos, quienes ejercían el poder y que formaban un grupo de élite.


¿Qué importancia representa lo precolombino en nuestra cultura?

La búsqueda de las raíces es lo que más nos ha ayudado a generar el concepto de identidad, y es por ello que se hace importante analizar la cultura precolombina, porque de ella es que nos identificamos como Colombianos, con los aportes de lo que estos pobladores nos heredaron es lo que hace que aun de otras naciones nos vean como lo que somos, una nación llena de riquezas.

¿Cómo se visualiza la herencia cultural precolombina?

El Periodo Preclásico, como es conocido el lapso de tiempo en Colombia comprendido entre 1200 y 1510, donde se formaron las Culturas más complejas a las cuales los indígenas colombianos llegaron antes de la intervención cultural española.

Las manifestaciones artísticas prehispánicas son de una extraordinaria variedad e incluyen desde las esculturas talladas en piedra del centro ceremonial de San Agustín y los hipogeos pintados de Tierradentro hasta las “ciudades” de la Sierra Nevada de Santa Marta, pasando por las innumerables piezas de oro y cerámica encontradas en prácticamente todas las zonas arqueológicas del país, entre las que no faltaron muchos intercambios.


¿Qué técnica artística es representativa de cada cultura precolombina?

Hay que considerar varios aspectos: el primero de ellos es que el arte entre las antiguas comunidades americanas estaba profundamente imbuido de nociones mitológicas y cosmológicas. Son los conceptos sobre el origen, la naturaleza y la sociedad los que generan, en primer lugar, las imágenes que habrán de alimentar el naciente arte americano. En este sentido, estas manifestaciones están pobladas de animales ancestrales, esquematizaciones de seres astrales y cuerpos humanos concebidos como representaciones del cosmos y la naturaleza.

En segundo lugar, y como consecuencia lógica del primer aspecto, hay que entender que estas manifestaciones artísticas tienen un carácter fundamentalmente social, colectivo. Sociales son la mitología y la cosmología y social, por tanto, su expresión iconográfica. Esto no quiere decir, por supuesto, que los individuos que ejecutaban directamente las obras que habremos de llamar arte no tuvieran cierta libertad creativa y no pudieran imprimir su sello personal en lo que hacían. No obstante, la creación de imágenes en cualquier tipo de soporte era un asunto mucho menos individual de lo que estamos acostumbrados a ver en la historia posterior del arte.

se reconoce que el arte rupestre, pictografías y petroglifos, constituye la primera gran manifestación artística. Esto es muy cierto, aunque la gran dificultad estriba en la imposibilidad técnica de fechar el arte rupestre. Estos grandes conjuntos de motivos pintados o tallados sobre rocas pueden pertenecer a cualquier época desde el poblamiento inicial hasta el momento mismo del contacto indo-europeo e incluso se pueden haber ejecutado a todo lo largo del período precolombino.

Con la invención de la cerámica se hace disponible un soporte plástico con posibilidades de modelado casi ilimitadas. Actualmente, las fechas más antiguas para la producción de cerámica en Colombia están alrededor de 3.800 a. de C.

Hacia el 500 a. de C. en la región de Tumaco, costa Pacífica sur, se vive una verdadera explosión creativa en la cerámica. Las figurinas tumaco, muy posiblemente hechas para servir como ofrendas o ser parte de rituales, exploran la figura humana en todas sus dimensiones. Hay representaciones de hombres y mujeres en todas las etapas de su vida, desde el parto hasta la muerte, deformaciones producidas por enfermedades, escenas sexuales, falos, diversos atavíos y tocados, oficios diferentes indicados por herramientas o accesorios, deformaciones craneales intencionales, etc. También se representaron animales, especialmente peces, lagartos, mamíferos y jaguares y objetos como ralladores, máscaras, botes y viviendas. 

¿Cómo apropiar su representación gráfica?

Ya que tenemos determinado que es la cultura, hablaremos de la cultura precolombina “San Agustín”

San Agustín es el pueblo más sagrado de Colombia, por lo menos en lo que respecta al pasado indígena del país.


Este pueblo, en el sur de Colombia, es el hogar de la más amplia colección de esculturas religiosas en Sudamérica y es en verdad el cementerio más grande del mundo. En este lugar Patrimonio de la Humanidad de la UNESCO, que también cubre el municipio aledaño de Isnos, encontrarás bellas figuras talladas de humanos y animales que cuidan las antiguas tumbas y la Fuente del Lavapatas, una increíble canalización artificial del río hacia piscinas y cascadas que servían como baños para rituales religiosos hace miles de años.

Esta cultura comenzó en el periodo Arcaico entre los años 4.000 a.C. a 1.000 a.C. según las evidencias de carbono encontrado que data de los años 3.300 a.C. Para ese periodo se estima que era un grupo de 15 a 25 personas, nómadas, recolectores y cazadores.

Es el segundo periodo es el Formativo que inicia en los años 1.000 a.C y va hasta el año 1 d.C, durante este tiempo se aumentó la población y comenzaron con la agricultura, sembraron especialmente la quínoa, el maíz, frijol, yuca y papa; en este periodo también comienzan a crear las primeras piezas de cerámica como vasijas.

El tercer periodo que va del año 1 d.C a 900 d.C es el Clásico Regional, la producción de cerámica fue más abundante, pero era poco elaborada y más bien burda. La población seguía en aumento, ya habían conformado aldeas con cacicazgos independientes; tenían centros ceremoniales y la arquitectura funeraria cobra más importancia.



Los pobladores de la cultura de San Agustín eran muy buenos para trabajar con metales y piedra. Muchos artefactos con diseños sorprendentes se han encontrado en los últimos años en la región que habitaron.

La cultura de San Agustín es conocida por sus rituales funerarios complejos, donde el líder religioso fue un chamán, que llevaba una piel de Jaguar para representar su autoridad, el jaguar fue adorado y considerado generalmente como un símbolo de poder en la región.

 


La mayor representación de las expresiones culturales de la cultura de San Agustín fueron las esculturas líticas monumentales. Se han encontrado más de 300 monolitos grandes con tallados de gran naturalidad, algunos de ellos superan los 4 metros de altos pesando varias toneladas. El Complejo Arqueológico de San Agustín es la mejor representación de esta expresión cultural, actualmente abierto al público.



Entre otras formas de expresión artística entre la cultura de San Agustín se destaca la cerámica y la orfebrería. En la cerámica se destacan piezas como copas de soporte alto, platos, ollas, cuencos pequeños, vasijas grandes que servían como almacenamiento. Fue una cerámica prioritariamente monocrama, pues solo hasta el periodo Reciente aparece la pintura bicolor.

En cuanto a la orfebrería se destaca la realización de piezas en oro que obtenían del río y que después mezclaban con otros metales. Las piezas que hacían eran collares, aretes, diademas, pulseras, orejeras y narigueras.

El partero de San Agustín 


Dentro de las actividades propuestas, se inicia realizando un dibujo de este "monumento", realizado a blanco y negro


Conclusiones 

Explorar una cultura permite identificar los aspectos específicos de la misma, buscando sus petroglifos y las características de los mismos, de allí que se puede identificar las estructuras que se utilizan, los materiales y aun los colores.

 

Cibergrafía

https://es.slideshare.net/sebastianorozco1044/culturas-precolombinas-40975656

https://colombiapais.com/pagina-cultura/cultura-colombia-precolombina.html

https://www.revistacredencial.com/historia/temas/las-manifestaciones-artisticas-en-la-epoca-precolombina

https://www.colombia.co/visita-colombia/cinco-lugares-para-aprender-sobre-la-cultura-indigena-en-colombia/

https://encolombia.com/educacion-cultura/arte-cultura/civilizaciones/cultura-de-san-agustin/

viernes, 13 de agosto de 2021

Grabado

 

Historia del grabado

La técnica del grabado tiene su origen en China, a raíz de la invención del papel, en el año 105. Por su parte, en Europa, los primeros grabadores que se conocieron datan del siglo XIII; la mayoría eran orfebres y plateros, o dibujantes expertos que realizaban grabados sobre metal. Sin embargo, es hasta el siglo XV, con la llegada de las técnicas de fabricación del papel, que el grabado en relieve – o xilografía adquiere mayor importancia.

 

Las primeras xilografías que se conocen son hojas de calendarios y naipes; producidos en Alemania a comienzos del siglo XV. No obstante que la ideología medieval cristiana, que predomino en occidente a finales del siglo XIV y principios del XV, decretaba que cualquier forma de producción plástica fuese destinada a la Iglesia y a su religión; por lo que la mayor parte de imágenes gráficas se encuentran en los ya conocidos como “libros ilustrados” o “libros miniados”.

Estas imágenes, que eran talladas sobre bloques de madera, establecieron también el término de “Grabado”. Ya que dicha expresión deviene del acto de incisión que ejercían los grabadores sobre el soporte de madera; y la generalización del uso del término fue lo que provocó que erróneamente se nombrara grabado a cualquier imagen reproducida artesanalmente.

Éste es el caso del grabado en hueco o talla dulce, que surge hacia 1460. Su nacimiento, está relacionado con el descenso del uso de la xilografía como medio de reproducción. Pues el desgaste que sufrían las imágenes xilográficas durante el proceso de estampación, así como su carencia de contornos finos y elegantes, ocasionó la búsqueda de nuevos métodos de impresión que resultaran capaces de cubrir la demanda de los libros religiosos y que fueran más precisos en su expresión. De ahí que, el grabado en metal, surja como una mejor alternativa para la reproducción de imágenes.

 

El descubrimiento del grabado en hueco resulta difícil de otorgar. Sin embargo, comúnmente se atribuye al orfebre florentino Maso Finiguerra, quién, en su afán por conseguir un calco de sus niellos, entintó las incisiones efectuadas en el metal y, al limpiar sólo la superficie dejó la tinta sobre los surcos, para luego estamparla sobre un papel humedecido, por medio de la presión ejercida con un rodillo blando. Así, el método específico de orfebres y plateros, pronto se convertiría en el preferido por los artistas para la reproducción de imágenes, con resultados mucho más refinados.

 

Asimismo, es en esta época, cuando la técnica del grabado en metal, en manos de los artistas, alcanzará su máxima expresión. Digna de mención es la obra del alemán Alberto Durero – Albrecht Dürer (1471-1528)-, que se distingue por crear imágenes completamente innovadoras tanto desde un punto de vista artístico como técnico. En las imágenes producidas por Durero, se destaca la notable capacidad que tenía con el buril y la gubia; así como el entramado reticular perfectamente geométrico empleado para sus composiciones. A la par, podríamos mencionar la obra del holandés Lucas van Leyden, así como los grabados de los italianos Marcantonio Raimondi y Andrea Mantegna, o la producción del alemán Lucas el viejo, quienes estuvieron influenciados por la obra de Durero y por el Renacimiento.

A la par del cambio de mentalidad, es también en el Barroco cuando se consiguen más avances en cuanto a la técnica del huecograbado, siendo los franceses quienes encontraron los métodos de impresión más lineales. Estos nuevos métodos permitían una mayor exhibición de destreza manual por parte de los artistas, e incluyen técnicas como la aguatinta, el punteado, el aguafuerte al barniz blando, la manera negra o mezzotinta y el crayón. Destacando, entre todas ellas, la técnica del aguafuerte como la más empleada, ya que era considerada como posibilitadora de un trabajo menos mecánico y más creativo.

Jaques Callot será el primero en desarrollar la técnica del aguafuerte como medio artístico. Sus experimentos hicieron posible grabar al aguafuerte imágenes de gran detalle en láminas diminutas. Por su parte, Rembrandt, el maestro del claroscuro, creó imágenes de extraordinaria fuerza y sutileza, empleando la técnica del aguafuerte y la mezzotinta. En tanto que Rubens, mantuvo un taller y una escuela de calcógrafos, en las que reprodujo la mayor parte de sus composiciones pictóricas.

 

 

¿QUÉ ES EL GRABADO?

Entendemos por grabado el resultado del trabajo realizado sobre una superficie de madera o metal, llamada plancha, por medio de instrumentos cortantes, punzantes o de ácidos que atacan la superficie metálica.

El resultado es la estampa, soporte generalmente de papel al que se ha trasladado la imagen por medio de la tinta, al poner en contacto la hoja con la plancha grabada entintada y ejercer presión con un tórculo o una prensa vertical.

Por extensión también recibe el nombre de grabado la estampa así realizada, de manera que se confunde el proceso con el resultado.

Existen diferentes técnicas para trabajar las planchas de metal: el aguafuerte, el aguatinta, el grabado a buril, la punta seca y la litografía.

a)      El aguafuerte es el procedimiento de grabado en el que sobre una plancha metálica cubierta por una fina capa de barniz protector se dibuja con una punta metálica el tema iconográfico. Al dibujar sobre el barniz protector éste se elimina. Al introducir la lámina en un baño de ácido, o aguafuerte, se produce la corrosión del metal en las zonas dibujadas, es decir, en las que se ha eliminado el barniz protector.


 

b)     El aguatinta es un procedimiento de grabado que consiste en verter sobre la plancha una capa uniforme de resina. La plancha se calienta para que la resina se funda y se adhiera. Posteriormente, se introduce en ácido, y éste penetra en las partes en las que la superficie no está protegida por la resina.


 

El aguatinta está casi siempre asociada al aguafuerte. En una misma plancha las dos técnicas se complementan: el dibujo queda definido por el procedimiento del aguafuerte y el aguatinta se utiliza para rellenar las superficies y conseguir los contrastes de luces y sombras.

c)      El grabado a buril es el procedimiento de grabar sobre una plancha metálica muy pulida, haciendo incisiones muy profundas por medio de un utensilio llamado buril, que extrae en su recorrido limaduras de la propia plancha. Los surcos resultantes se rellenan con la tinta, que pasará al papel cuando ambas superficies se pongan en contacto.


d)     La punta seca es, al igual que el buril, una técnica de grabado directo. Consiste en dibujar directamente sobre la plancha metálica con una aguja de acero o punta seca.



La extremidad de la punta seca es más fina que la del buril y sin filo, de manera que raya el metal produciendo surcos que pueden ser profundos pero no muy anchos. El metal levantado queda a los lados de las incisiones, formando las lamadas rebabas o barbas. Al entintar la plancha estas rebabas retienen más cantidad de tinta y el resultado en la estampa es un trazo aparentemente más ancho y difuminado en los laterales, lo que da a la estampación el aspecto delicado y aterciopelado que la caracteriza.

Las rebabas se desgastan con rapidez en las sucesivas estampaciones, y con ello se va perdiendo el efecto característico de la técnica. Por ello, no admite muchas tiradas.

e)      La litografía es una técnica diferente y más evolucionada en relación con el grabado en hueco. Se trata de dibujar con un lápiz graso, o lápiz litográfico,sobre una piedra calcárea denominada piedra litográfica.

Para fijar este dibujo y que la grasa no pase a las zonas no dibujadas, se cubre toda la piedra con una leve película de goma arábiga acidulada. A continuación, se remoja la piedra con agua. Las superficies no dibujadas absorben el agua, y las dibujadas con el componente graso la rechazan.

Seguidamente se pasa el rodillo impregnado en tinta grasa. De nuevo, la tinta se deposita únicamente sobre la zona dibujada, pues la humedad de la parte sin dibujar repele la tinta.

Finalmente, el grabado se estampa con la ayuda de la prensa litográfica que hace que la tinta depositada sobre el dibujo de la piedra pase al papel.


http://goya.unizar.es/InfoGoya/Obra/TecnicaGrabado.html


 

LINOGRABADO

La técnica del linograbado utiliza como matriz el linóleo es un material flexible, ligero y fácil de cortar. El proceso de trabajo y las herramientas son idénticos a los de la xilografía, aunque, al ser un material más blando, resulta más fácil de trabajar. También el proceso de entintado y estampación es similar al de la xilografía.

La técnica de grabado en linóleo es muy estimada y utilizada por los artistas plásticos en nuestra época y por sus características es muy apropiada para realizarla dentro de las actividades que proponemos en el aula de plástica.

Entre los artistas que han utilizado esta técnica cabe destacar a Pablo Picasso (1881-1973), Henri Matisse (1869-1954) y Jean Arp (1887-1966) entre otros, de los cuales se han seleccionado las obras que se presentan en el visor

 

¿Cómo usar de forma creativa la técnica del linograbado?


Materiales

Linóleo

Buril - Gubias

Imagen a realizar

EL TIEMPO EN CLASE

Durante las clases usando una papa y pintura se plasmo sobre una superficie el sello realizado.


De manera personal realicé un sello, también con una papa y pintura, solo que quité la parte alrededor para dejar la matriz bien marcada, de esa manera poder realizar un buen grabado.











Conclusiones:
El grabado corresponde a la matriz que se utiliza para realizar las diferentes impresiones a realizar.
Se implementa como técnica artística para implementar en la escuela y reforzar diferentes temas, además de desarrollar la libre expresión de los intereses de cada estudiante.


viernes, 30 de julio de 2021

Técnicas de impresión

 

¿Qué hace el proceso de impresión?

 

El proceso de impresión permite reproducir  en cantidades conveniente, un proyecto gráfico, dándole carácter de producto gráfico.

Este necesita de un medio impresor (máquina), se clasifica con impresión directa (cuando la forma impresora se pone en contacto directo con el soporte) e indirecta (cuando lo hace a través de otro elemento).

 

Estas máquinas necesitan 2 zonas

1- Zona de imagen

2- La zona de no imagen



1.    La zona de imagen es la que recibe la tinta de tal forma que se pueda realizar la impresión (parte positiva).

2.  La zona de no imagen es la que no deja huella (la parte negativa).


 


 

De esta manera se clasifica de acuerdo a las características donde aparece la imagen.

 

Relieve

Cuando la imagen se encuentra en relieve pasa por el rodillo de entintar y queda en el relieve.



 

Hueco

La tinta se deposita en las partes huecas que constituyen en este caso, la zona de imagen. El lugar donde se va a plasmar la absorbe y queda la huella (Huecograbado)



 

Plana

La zona de imagen y de no imagen quedan en el mismo plano, sin embargo la imagen admite tinta y la retiene en tanto que la no imagen la rechaza.

 



 

Permeable o de plantilla

La tinta atraviesa a la forma impresora en la zona de imagen debido a la permeabilidad de su material, no pudiendo hacerlo en la zona de no imagen pues ha sido obstruida. 



 

Material Colorante: Es la sustancia que permite visualizar la imagen en el impreso cada sistema tiene sus tintas de impresión. Se usan barnices o pinturas. Se hacen sin materia colorante: Stamping. Sello de agua, Relieve en seco, etc. 

 



Encontramos la Flexografía

Es un sistema de impresión en relieve, rotativo y directo – EEUU 1860, se reconoce mundialmente a partir de 1950 con el desarrollo del celofán. La FI es flexible (goma o plástico). La tinta es fluida y de rápido secado.

 



 


 

EL huecograbado

Sistema de impresión directa. La zona de imagen en la FI está en bajo relieve. La tinta depositada en alvéolos, se transmite al soporte por presión.

 


El Offset 

Sistema de Impresión Indirecta .La zona de imagen es plana. Es el sistema más utilizado para imprimir en papel.

También encontramos la Serigrafía.

Es la técnica que permite reproducir gran cantidad de impresos. 


Xilografía 

Es un sistema de impresión a relieve donde la matriz o la placa es de madera


Tipografía 

Sistema a base de impresión basados en caracteres o tipos independientes,  tipos móviles a relieve, la tinta utilizada es a base de aceite.



Calcografía

Es un sistema de impresión a bajo relieve, el cual consiste en todos los procedimientos manuales y químicos de grabado con planchas de cobre, acero o cinc. Viene del griego Chalkos (cobre) y gaphe (grabado)



Estereotipia 

Se llama estereotipia al arte de imprimir con planchas firmes o estables en lugar de las que se usan formadas por  letras sueltas.

 

Tampografía

Es muy recomendable para objetos curvos, consiste en estampar el diseño a base de presión sobre el soporte.



Litografía

Es un sistema de impresión planográfica, es decir, sin relieve, su principal característica es la placa de roca calcaría.



 

Inyección de tinta

 

Sistema de impresión basado en un dispositivo electromecánico, que funciona  a base de gotas microscópicas de tinta.

EL TIEMPO EN CLASE

Durante las clases usando un plato de icopor y un lápiz se realizó un dibujo a libre elección.

Después usando pintura y rellenando el dibujo realizado se plasmó sobre una hoja.




CONCLUSIÓN:

Las diferentes formas de impresión se pueden manejar en el aula de forma divertida y creativa ofreciendo diferentes materiales que sean de fácil acceso y manipulación, como ellas encontramos el icopor, los lápices, crayolas aun para poder estampar, lo cual hace el trabajo en el aula más dinámico y motivador.